FESTIVAL INTERNACIONAL DE LAS ARTES ESCÉNICAS DE LA REGIÓN DE MURCIA OTRO 2009
Nelisiwe Xaba. Sudáfrica. “Platicization” y “They look at me and that’s all they think”
Entrevista realizada por José Bote
- Tu primera vez en España…
No, es la segunda vez. Estuve en Sevilla hace unos tres años, en un festival de danza.
- ¿Nos podrías dar algunos detalles sobre tu formación, tu origen, tu compañía?
No me considero una compañía, aunque sí tengo una compañía por razones administrativas. Desde hace 4 años, fundé la compañía básicamente por las subvenciones y por las aportaciones de los posibles patrocinadores, que necesitan saber que tienes una estructura. La compañía soy yo, en realidad.
Empecé a bailar hace casi 20 años ahora. Empecé a una edad tardía, cuando tenía 17 años, y no como es lo normal, a una edad mucho más temprana. Fui a una Escuela de danza en Johannesburgo, también otra escuela en Londres. Después de eso, me uní a una compañía de danza contemporánea en Johannesburgo durante un año y medio. Desde entonces he estado trabajando como free lance, trabajando para mí misma. Los coreógrafos con los que trabajo a veces cobran una comisión, a veces otros sistemas. También he encontrado colaboración de gente del teatro y artistas visuales. Siempre en Sudáfrica. No es fácil ser un extranjero fuera de tu tierra, lo viví durante un año en Inglaterra, así que prefiero estar en casa.
Desde hace cinco años, realizo mis propios trabajos de creación. Mi primer solo duraba sólo 5 minutos. Luego continué. Después realicé un proyecto en el que se realizaban diversos solos de forma conjunta. Desde entonces, creé “They look at me and that’s all they think”, y otros. Y he estado viajando por diferentes países.
- ¿Qué etiqueta le pondrías a tus intervenciones: performance dance, contemporary dance, o no te gusta poner una etiqueta a lo que haces?
Lo mejor es que el público decida qué es lo que hago. Hay gente que lo llama danza, otros show dance, otros que dicen que no es danza. Si tienes en cuenta sólo un concepto clásico de la danza, seguramente no llamarías a lo que hago danza. Pero mi background es danza, así que lo incluyo dentro de la danza. Otras personas pueden llamarme artista performance, o artista visual, por el uso que realizo en todo momento de mi cuerpo como instrumento de trabajo.
Mi trabajo es una mezcla. Hay cosas del arte visual, cosas de la danza, cosas de la performance. Hubo un momento en el que me di cuenta que el marco de la danza encorsetaba demasiado mi trabajo, y quería ir más allá; es una de las razones por las que uso el video, especialmente cuando trabajo sola. Cuando estoy sola ante un público, busco otras formas de mostrar elementos que no pueda mostrar solo con mi cuerpo, con otros elementos como el video es más fácil. Me gusta crear imágenes, y siempre busco diversos recursos que me permitan crear esas imágenes.
- ¿Puedes contarnos algún detalle de los dos solos que podemos ver en el festival?
Uno de ellos es “Plasticization”. Parte de un proyecto de un amigo mío, que es un diseñador. Él hizo las bolsas (traje-bolsa), las máscaras, y nos las dio para crear una historia con ellos. A veces me gusta verme a mí misma como una forma de vida dentro de un traje o de un continente. El tipo de trajes o vestidos que él hace es bastante creativo, muchas veces parten de una historia y desde ella crean la ropa. “Plasticization” tiene un sentido más abierto, es una historia. Utilizo música religiosa, que evoca a la iglesia, especialmente la iglesia católica y así abordo la crítica a la prohibición del uso de preservativos. En este solo también está incluida una crítica al uso de los plásticos, como material, relacionado con el medio ambiente.
El otro solo es “They look at me and that’s all they think”. Está inspirado en la historia de Sarah Baartman. Era una mujer normal, no era feminista, pero se convirtió en un símbolo de los derechos de la mujer en Sudáfrica. Su historia es fuerte ya que ella fue exhibida en escenarios, en circos, en museos, incluso en Londres, porque no era del todo normal. El hombre que tenía propiedad sobre ella se cansó de ella o no sacaba más dinero, así que la vendió a Francia. Después, ella murió. Tras su muerte, tomaron su cuerpo, lo congelaron y expusieron su cuerpo en museos hasta los años 60. Hace unos años Mandela negoció con el gobierno francés para recuperar su cuerpo en partes, y ser enterrada finalmente en Sudáfrica. Llevó varios años recuperar el cuerpo. Así que se realizó una gran ceremonia cuando llegó el cuerpo, y celebramos una fiesta nacional ese día. Y así el 9 de agosto es el día de los Derechos de la Mujer por ella. Se ha convertido en un símbolo para los derechos de la mujer en mi país.
Volviendo a “They look at me…”, no es solo sobre Sara Baartman, también fue mi historia personal, porque yo he actuado mucho en Francia y en otros países, fuera de mi país. He actuado mucho en las plataformas europeas escénicas. Creo que el teatro no existe desde un punto de vista formal en África, aunque sí existe en la calle, en los poblados. Como no es formal, un artista a veces no es del todo respetado, no sólo los artistas contemporáneos. Esto forma parte sobre todo del pasado, aunque incluso hoy día sigue existiendo en muchas partes de África.
Las historias que yo muestro son para todo tipo de público, son globales, no sólo para gente blanca, también para los negros. Mi trabajo es bastante abierto. No es que yo conciba mi trabajo pensando en un público europeo, ni mucho menos, ocurre que actúo en Europa porque he viajado bastante y mi trabajo suele gustar en los países europeos. También porque todos somos humanos en todas partes, por lo que pensamos y sentimos de forma similar. Andamos de la misma manera, por eso mi trabajo puede ser internacional. Pero es importante de dónde vengo, mis raíces, y ver si en mi país mi trabajo es apreciado o no. Incluso en Londres, donde hay una comunidad muy importante de africanos negros, pero la cantidad de ellos que vienen al teatro es muy pequeña, desgraciadamente. Si es un músico africano, es diferente, pero con las artes escénicas no es lo mismo, el público negro es mínimo.
- ¿Cómo de importante es la danza tradicional en tu trabajo?
Crecí en una gran ciudad, en un ambiente hostil. Mis tradiciones son urbanas principalmente, no tengo un background de danza tradicional. Lo aprendí en la escuela, pero en la ciudad de Johannesburgo no tienes ese contacto directo con la danza tradicional que sí puedes tener en otras partes. Conozco las tradiciones, pero no es mi prioridad mantener esas tradiciones vivas con mi trabajo, hay otras personas que se dedican a ello. A veces uso la danza tradicional, y siempre me gusta ver las danzas tradicionales y descubrir cosas nuevas. Pero no suponen una influencia importante en mi trabajo. Estoy más interesada en lo que mi cuerpo puede descubrir.
- Cuando desarrollas un solo, ¿cuál es el punto de partida creativo?
En “They look at me…”, por ejemplo, tenía algunas cosas claras: sabía que quería explorar sobre la historia de Sara Baartman; también tenía claro que quería utilizar el video, y quería explorar en este sentido. El video para mí es todavía un elemento difícil cuando lo usas en una performance, porque me gusta trabajar con ello pero no puede ser individual. La verdadera forma artística debe integrar otras, pero no de forma individual y separada, lo que pretendo es que todo forme parte de una unidad artística. No es fácil, pero ése es el objetivo.
Con “They look at me…”, le dije al diseñador que quería trabajar con una falda que se pudiera abrir y que se convirtiera en una pantalla sobre la que proyectar al final. Y así lo hizo. Y tuve que esperar a que la falda fuera creada y después comenzar los procesos creativos. Esta falda de repente tenía todo un abanico de posibilidades, así que el reto era cómo conseguir que la falda estuviera integrada con el resto. El diseñador trabajó conjuntamente conmigo, aconsejándome durante el proceso, porque conocía bien la falda, el elemento de trabajo.
No tengo una fórmula. Trabajo desde la improvisación, el vestuario a veces me aporta numerosas posibilidades, a veces la música, a veces mi cuerpo. Siempre buscando una historia que el espectador pueda seguir.
- ¿Te gusta interactuar con el público? ¿Qué esperas del público?
“Plasticization” es también una pieza sobre el espacio, sobre el contacto. Es fenomenal, porque en nuestra vida diaria no nos tocamos unos a otros. Tenemos nuestro propio espacio y lo demandamos de forma obligatoria. Incluso cuado estamos en un teatro queremos nuestro espacio, separado de la persona que está sentada al lado. Así, que se produzca que alguien se acerca a ti de repente y te bese es algo chocante. Las personas no saben cómo reaccionar. No pido permiso, simplemente lo hago, aunque primero veo la cara de la persona que voy a besar. Es el poder de estar en la escena.
